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ıllı Película La consagración de la primavera

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La consagración de la primavera .wikiParte de los diseños de Nicholas Roerich para la producción de mil novecientos trece de La consagración de la primavera.

La consagración de la primavera (en francés: Le Sacre du printemps)?, en ruso, «????? ?????????», Vesná svyaschénnaya es un ballet y obra de concierto orquestal del músico ruso Ígor Stravinski. Fue escrito para la época mil novecientos trece en la ciudad de París de la compañía Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev; la coreografía original fue creada por Vaslav Nijinsky, con escenografía y vestuario de Nicholas Roerich. Cuando fue estrenado, en el Teatro de los Campos Elíseos el veintinueve de mayo de mil novecientos trece, el carácter vanguardista de la música y la coreografía ocasionó sensación y un prácticamente altercado en la audiencia. Si bien se diseñó como una obra para el escenario, con pasajes concretos acompañando los personajes y la acción, la música alcanzó igual o bien aun mayor reconocimiento como una pieza de concierto, y es extensamente considerada como una de las obras musicales más influyentes del siglo veinte.


Stravinsky era un joven, prácticamente ignoto músico cuando Diáguilev lo reclutó para crear trabajos para los Ballets Rusos. La consagración fue el tercer proyecto de este género, tras el ovacionado El pájaro de fuego (mil novecientos diez) y Petrushka (mil novecientos once). El término tras La consagración de la primavera, desarrollado por Roerich desde la idea de esquema de Stravinsky, es sugerido por su subtítulo, «Imágenes de la Rusia pagana en 2 partes»; en el escenario, tras múltiples rituales primitivos que festejan la llegada de la primavera, una joven es escogida como víctima sacrificial y baila hasta fallecer. Tras una recepción crítica mixta para su funcionamiento original y una breve vira en la ciudad de Londres, el ballet no se efectuó nuevamente hasta la década de mil novecientos veinte, en el momento en que una versión con coreografía de Léonide Massine sustituyó la original de Nijinsky. El trabajo de Massine fue el predecesor de muchas producciones renovadoras dirigidas por los primordiales maestros de ballet del planeta, que le dieron al trabajo aceptación mundial. En la década de mil novecientos ochenta, la coreografía original de Nijinsky, creída a lo largo de bastante tiempo perdida, fue reconstruida por el Joffrey Ballet en la ciudad de Los Ángeles.


La partitura de Stravinsky contiene muchas peculiaridades novedosas para la temporada, incluyendo ensayos en la tonalidad, métrica, ritmo, acentuación y discordancia. Los analistas han sentido en la partitura una base significativa en la música folclórica rusa, una relación que Stravinsky tendía a negar. La música ha influido a muchos de los primordiales músicos del siglo veinte, y es una de las obras más grabadas en el repertorio tradicional.


Describe la historia, sucedida en la Rusia vieja, del rapto y sacrificio pagano de una doncella al comienzo de la primavera que debía danzar hasta su muerte a fin de conseguir la benevolencia de los dioses al principio de la nueva estación. Para esto, se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad, evocando escenas primitivas en lo que se refiere a diferentes campos de la vida.


A diferencia de los ballets precedentes, obras más «rusas» y menos «rupturistas», Stravinski se atrevió, en esta obra, a crear más de cuanto la corriente modernista francesa (una de las vanguardias en aquel instante) se había audaz a hacer. Su estreno, como podía aguardarse, supuso un clamoroso fracaso: el público empezó a sisear la obra cuando esta todavía no había finalizado. La crítica por su lado estaba dividida entre los fascinados modernistas franceses, y los retrógrados autores románticos y artículo-románticos, que la consideraron como una sucesión estruendosa y también ininteligible de sonidos y ruidos.


La innovación de esta obra se generó esencialmente en múltiples campos musicales:

RitmoEl autor prescinde de las habituales secuencias que caracterizaban hasta el instante toda obra (por ejemplo: Introducción, Tema primordial, Alteración 1, Alteración dos...), adquiriendo una estructura lineal, prácticamente carente de reiteraciones. Además de esto, no hay sincronía y acompasamiento ni entre las diferentes voces de los instrumentos, ni entre sí a lo largo del tiempo, lo que genera en el oyente esa sensación de imprevisión, impulso, bestialidad y desorden. Por otro lado, los ritmos usados se vuelven irregulares por el incesante cambio de compás, por el empleo de acompases complejos o bien por la utilización de la síncopa para trastocar la situación de las partes acentuadas de los acompases. Hay pulsación en el ritmo, naturalmente, mas la duración no es siempre y en toda circunstancia exactamente la misma y unas son más largas que otras. Este género de figura de pulsación dispar tiene un nombre propio: tiene por nombre ritmo Aksak (que en turco significa «cojo»), y es propia de la tradición de muchos pueblos del este de Europa, en tanto que los turcos lo llevaron a los pueblos eslavos. Nuevamente algo viejo suena verdaderamente nuevo.MelodíaSin llegar a la destrucción del sistema de octavas, y la adopción de la música dodecafónica, es usual en esta obra el empleo de discordancias, como de líneas musicales (bien de fondo o bien como figura primordial) que no respetan rigurosamente las líneas marcadas por las modalidades y las escalas, sino más bien en ocasiones meramente onomatopéyicas, todo con una función figurativa al servicio de una mejor representación plástica. Es esencial apuntar que para la creación de estas armonías Stravinsky emplea escalas y modos «antiguos» que se semejan a los presentes mas realmente no son totalmente ni mayor ni menor. Con esto logra un cierto efecto de antigüedad. Asimismo emplea pocas notas en la escala para crear armonías de poco recorrido (otrora dependían por completo de la voz para ser ejecutadas y no se dejaban registros extensos para comodidad del intérprete vocal) y pocos saltos. Además de esto son muy repetitivas. Otras se fundamentan aun en escalas pentatónicas de cinco notas.ArmoníaComo resultado de la superposición de líneas melódicas, la armonía que se consigue se separa de la tonalidad tradicional.Esta armonía no tiene función estructural, como sucede en Schönberg, sino en muchas ocasiones se compone de una simple acumulación de notas. El acorde sacre, el acorde más representativo y también esencial de esta composición cuya sonoridad es muy particular y discorde, es un caso claro de la intencionalidad de Stravinsky de guiarse no tanto por la funcionalidad sino más bien por la sonoridad, Stravinsky insistió a lo largo de su vida en que no podía justificar como lo había construido, que sencillamente había sido el gozo de escucharlo lo que le llevó a decantarse por él. El empleo de estratificación de terceras, o bien clúster. La obra está cerca del atonalismo mas con un sentido muy riguroso, si bien se empleen acordes discordes, con intervalos aumentados o bien disminuidos, todo tiene un sentido aparte de la capacidad del autor, para dar brillo a la obra y sacar la sonoridad que se pretende.OrquestaciónStravinsky desarrolla acá una sonoridad totalmente nueva. Abundan los efectos percusivos, beligerantes y violentos, desaparece el sonido expresivo y melódico de los instrumentos de cuerda y se favorece el predominio de la percusión y los instrumentos de viento, evocadores de una naturaleza salvaje y primitiva. En ciertos instantes el empleo de los instrumentos de viento madera (corno inglés, flauta contralto) tiene un efecto exótico y evocador. El solo de fagot en el registroagudo con el que empieza la obra ya señala que nos hallamos en un planeta completamente nuevo en lo que a la sonoridad orquestal se refiere. Otro género de recurso instrumental empleado de manera frecuente en la obra de Stravinsky es la mezcla de sonidos. Esta específicamente entre flauta contralto y violín solo tocando en armónicos una escala pentatónica como las de ya antes es verdaderamente infrecuente. Vale la pena resaltar del mismo modo el curioso papel reservado a las cuerdas en esta composición. Los violines, que por norma general son los encargados de llevar el peso de la obra, se restringen prácticamente a funciones de acompañamientorítmico tocando notas breves y repetitivas, sin participar del estrellato frecuente. En verdad trata la cuerda de una manera rudo y áspero, como un instrumento de percusión.

Debido a su condición de primera obra meridianamente rupturista, y a la complejidad de su audición (en especial para los oídos habituados a los acompases barrocos, neoclásicos y románticos), esta obra puede considerarse para el oyente como una obra inicial de la música tradicional del siglo veinte. Desde Stravinski, el estilo rupturista domina todo el panorama musical europeo en sus dimensiones, como la armonía, la manera y el timbre. En verdad, en ninguna otra obra de Stravinski hallamos exactamente la misma voluntad de romper de forma deliberada contra todo lo precedente, con lo que el escándalo de esta obra no se va a repetir.


InstrumentaciónEditar


Stravinsky orquestó esta obra utilizando todos y cada uno de los registros de los instrumentos desde el grave hasta el sobreagudo, explorando los timbres poco utilizados. El ejemplo más claro de esto es al principio de la obra con el solo de fagot en el registro sobreagudo.


También utilizó instrumentos que pocas veces integraban una orquesta sinfónica, como el güiro o bien la trompeta piccolo.


La Consagración de la Primavera supuso en el campo de la danza un cambio radical con la tradición de los Ballets Rusos y con la tradición del Ballet Tradicional. Es la pieza de danza del Siglo veinte por antonomasia, la coreografía original de Nijinski se perdió y, a través, de notas y dibujos, se pudo reconstruir lo más fielmente posible en mil novecientos setenta y ocho en el Joffrey Ballet.


El Ballet ha sido coreografiado por la mayor parte de las grandes personalidades del planeta de la danza como Maurice Béjart en mil novecientos setenta y dos, Pina Bausch en mil novecientos setenta y cinco y, una de las más recientes, al cargo del coreógrafo Xavier Le Roy en dos mil siete.


El primer proyecto pedagógico de la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Sir Simón Rattle, y el conjunto de baile de Royston Maldoom trata de que un conjunto de doscientos cincuenta jóvenes extraños hasta ese instante a la música tradicional consigan tras un intenso adiestramiento danzar La consagración de la primavera. El proyecto fue llevado al cine, en una producción alemana del año dos mil cuatro, dirigida por T. Grube y Y también. Sánchez Lansch, titulada Rhythm is it! («¡Esto es ritmo!»).


Asimismo, esta pieza musical participa en la enorme película de dibujos animados de DisneyFantasía, estrenada en el año de mil novecientos cuarenta. Esta nos relata la historia de la evolución de la Tierra desde el comienzo de los tiempos. Muestra las etapas desde las primeras moléculas a los dinosaurios pasando por cada una de las etapas. La banda sonora original de la obra de Stravinsky fue editada para su empleo en Fantasía. La primera parte se redujo sensiblemente y el solo de fagot de apertura se repite al final. Por otro lado, el final del segundo acto (La Danse Sacrle) se suprimió por completo, en tanto que tras L'Action Rituelle des ancètres la música se remonta y que se divide en 2 partes y, finalmente, alterna entre los 2 últimos movimientos (La Veneración de la Terre y La Danse de la Terre).


El estreno fue recreado con gran realismo en la película de dos mil nueve "Coco Chanel & Igor Stravinsky", dirigida por Jan Kounen.


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